La guerra cultural se libra con el color: ¿por qué las superproducciones de Hollywood se han vuelto tan grises?

Una tendencia creciente en los modernos éxitos de taquilla de Hollywood ha visto un cambio hacia imágenes silenciadas y desaturadas, lo que plantea preguntas sobre las elecciones estéticas detrás de estas películas.

A mediados del siglo XX, películas en Technicolor como Becky Sharp (1935), El mago de Oz (1939) y Lo que el viento se llevó (1939) deslumbraron al público con sus matices vívidos y ricos esquemas de color. Estas películas no solo eran visualmente impresionantes, sino que también sirvieron como grandes espectáculos que adaptaron obras literarias de renombre. La tecnología disponible en ese momento permitió un nivel de exuberancia cromática del que los cineastas de hoy parecen haberse alejado. En los últimos años, varios dramas históricos han adoptado un enfoque visual similar.

Películas como Macbeth (2015), Lady Macbeth (2016), The King (2019), The Prodigy (2022), The Northman (2022), Firebrand (2023) y Wuthering Heights (2026) cuentan con un uso restringido del color. Incluso Hamnet (2023), dirigida por Chloé Zhao, presentó su narrativa visual a través de una lente similar. En toda Europa, también, producciones francesas recientes como El Conde de Monte Cristo y Los Tres Mosqueteros siguen el ejemplo, mientras que películas españolas como Alatriste y The Captive reflejan la misma tendencia. Este cambio en el estilo visual ha provocado un debate entre académicos y artistas.

En primer lugar, el color se atribuye a elementos considerados extranjeros, típicamente asociados con la feminidad, el orientalismo, la primitividad, la infancia, la vulgaridad, la rareza o la patología. En segundo lugar, el color se relega al ámbito de lo superficial, accesorio, prescindible o cosmético. En ambos casos, el color se percibe como peligroso o se considera secundario a la experiencia, por lo tanto, indigno de una consideración seria. En contraste, el cine temprano adoptó el color como un elemento central de la narración. Directores como Michael Powell y Emeric Pressburger, Vincente Minnelli, John Ford, Alfred Hitchcock y Lean David utilizaron el color para mejorar las narraciones y crear experiencias inmersivas.

Por ejemplo, Doctor Zhivago (1965) fue un espectáculo en Technicolor que sería impensable bajo los estándares de producción actuales. Las implicaciones de esta tendencia se extienden más allá de la estética. Al elegir un lenguaje visual más moderado, los cineastas pueden estar señalando la importancia de una película, alineándola con las ambiciones de la temporada de premios y el éxito comercial. Sin embargo, este enfoque corre el riesgo de alienar a las audiencias que asocian imágenes vibrantes con grandeza cinematográfica y profundidad emocional.

Algunos sugieren que el movimiento hacia imágenes desaturadas podría provenir de un deseo de evocar un sentido de realismo o gravedad, particularmente en piezas de época. Otros apuntan a los avances tecnológicos que permiten un mayor control sobre la saturación del color, lo que permite a los directores ajustar sus narrativas visuales con precisión. A medida que la tendencia continúa, queda por ver si esta estética se convertirá en una norma duradera o evolucionará hacia nuevas formas de expresión. Lo que está claro es que el lenguaje visual del cine contemporáneo está experimentando una transformación, que refleja las cambiantes prioridades artísticas y las expectativas de la audiencia.